Le opere d'arte più polemiche della storia, ovvero di quando non tutti apprezzano l'arte moderna e contemporanea

Inaugurata il 18 settembre 2021 alla presenza del presidente francese Emmanuel Macron, del Ministro della Cultura Roselyne Bachelot e del Sindaco di Parigi Anne Hidalgo, l'opera di Christo e Jeanne-Claude ha riaperto molti dibattiti sull'arte contemporanea.

Il famosissimo Arco di Trionfo è stato avvolto da 25.000 metri quadrati di tessuto in polipropilene riciclabile, di colore blu-argento, tenuto insieme da 7.000 metri di corda rossa. Poiché l'artista è scomparso nel 2020, mantenere la performance è stato un modo per rendergli omaggio.

Insomma, questa performance non è piaciuta a tutti e ha riacceso una serie di polemiche... L'arte contemporanea va spesso di pari passo con la critica o l'incomprensione. Ecco una carrellata delle opere più controverse della storia.

Inaugurato il giorno di San Valentino 2019 e parte del programma artistico del tram T3, questo grande cuore rosso appollaiato a 9 metri di altezza è composto da 3.800 piastrelle di terracotta. Di notte, migliaia di LED la illuminano. Il problema è che l'opera si trova alla Porte de Clignancourt nel 18° arrondissement di Parigi, uno dei quartieri più poveri della capitale.

È costato 650.000 euro, finanziati con denaro pubblico, di cui 40.000 euro sono stati versati all'artista. "Il senso delle priorità di alcune persone mi sfugge. [...]. Abbiamo deciso di fermarli, perché pensavamo che fosse meglio investire nella risoluzione di problemi quotidiani essenziali, piuttosto che nell'arredamento artistico", ha dichiarato William Delannoy, sindaco della vicina città di Saint-Ouen, a Le Parisien.

L' "albero" dell'artista americano è stato eretto in Place Vendôme a Parigi nel 2014. Ma la sua forma suggestiva è diventata presto oggetto di controversie. L'opera è stata vandalizzata e l'artista è stato aggredito. E anche se doveva essere esposto solo per una settimana, alla fine è stato rimosso perché ha attirato così tanto odio. In un certo senso, l'opera ha raggiunto il suo obiettivo: essere sovversiva.

Da marzo 2020 e fino a marzo 2022, Trafalgar Square a Londra ospita una statua non convenzionale. Quest'opera di Heather Phillipson rappresenta un'enorme montagna di panna montata, sormontata da una ciliegia gigante e corredata da una mosca e un drone.

Secondo l'artista, "The End" simboleggia "l'arroganza e la caduta imminente". In quest'opera multimediale, il drone filma in diretta l'ambiente circostante e lo trasmette su un sito web dedicato. Anche in questo caso, però, non sono mancate le critiche: ad esempio, il quotidiano Daily Mail ha definito l'estetica dell'opera "da incubo".

Installata nei giardini del Castello di Versailles nel 2015 come parte di una mostra dell'artista, l'opera ha provocato reazioni estremamente violente. Questo grande tronco d'acciaio, lungo 60 metri e alto 8, rappresenta un organo femminile. La prima volta che è stata vandalizzata, a pochi giorni dall'apertura della mostra, è stata imbrattata con vernice gialla. Poi, qualche mese dopo, fu ricoperta da scritte di odio e antisemite, che l'artista decise di lasciare, ritenendole ormai parte integrante dell'opera. Nello stesso anno fu deturpata una terza volta, con la scritta: "Rispetta l'arte come ti fidi di Dio".

"Bouquet di tulipani" è un regalo di Jeff Koons alla città di Parigi nel 2016. L'ha giustificato come "un gesto di amicizia tra il popolo americano e quello francese" dopo gli attacchi del 2015 e del 2016. La scultura, che raffigura una mano che tiene in mano tulipani multicolori, è alta 10 metri, larga 8 metri e pesa 27 tonnellate senza la sua base. Si suppone che rappresenti "l'atto di donare". Nel 2017, una petizione "No al bouquet di tulipani di Jeff Koons a Parigi" è stata lanciata da Espace 35, un collettivo di artisti di Belleville. Hanno denunciato l'"eccessività" del progetto.

"La scelta dell'opera, e soprattutto della sua collocazione, senza alcun legame con i tragici eventi citati e la loro ubicazione, appaiono a dir poco sorprendenti, se non opportunistiche, ciniche", riassume la colonna pubblicata su Libération il 21 gennaio e firmata da una ventina di personalità riunite intorno al regista Olivier Assayas e all'ex ministro Frédéric Mitterrand. Secondo loro, Jeff Koons è "diventato l'emblema di una forma d'arte industriale, spettacolare e speculativa" e "il suo studio e i suoi rivenditori sono ormai multinazionali del lusso".

Quest'opera può essere riassunta in poche parole chiave: una banana, né acerba né troppo matura, un pezzo di gaffer e l'Art Basel di Miami. Erede del ready-made post Marcel Duchamp, Maurizio Cattelan è noto per le sue installazioni sovversive. Nel dicembre 2019, dopo non aver esposto in una fiera d'arte contemporanea per 15 anni, presenta "Comedian", una banana appesa al muro. Oltre all'apparente semplicità di quest'opera, anche il suo prezzo ha animato i critici, visto che è stata venduta per 120.000 dollari.

In realtà, non dovremmo concentrarci sull'implementazione o sull'estetica. Come Marcel Duchamp e il movimento del ready-made, questa banana deve essere contestualizzata, l'idea è la cosa più importante. Esistono e sono state vendute quattro copie di questa installazione. Sono tutte accompagnate da un certificato di autenticità e da istruzioni, redatte dall'artista, che specificano come la frutta debba essere cambiata più o meno ogni dieci giorni.

In occasione di una mostra personale nel 2010 a Palazzo Reale, Maurizio Cattelan ha fatto installare "L.O.V.E.". Questo significa: L: liberta (libertà); O: odio (odio); V: vendetta (vendetta); E: eternita (eternità). Niente di meno che un dito medio di marmo alto 11 metri, tutto rivolto verso la Borsa di Milano. Questa scultura oltraggiosa non ha mancato di trovare i suoi detrattori. Per rispondere alla provocazione, l'artista ha dichiarato che avrebbe offerto la scultura alla città se la sua collocazione fosse diventata permanente.

Olafur Eliasson è noto per le sue installazioni impegnate che riguardano l'uomo e l'ambiente. Per questo, ha fatto trasportare blocchi di ghiaccio dalla Groenlandia, prima di esporli a Copenaghen, Parigi e Londra. Irreparabilmente, l'opera è destinata ad autodistruggersi davanti agli occhi degli spettatori. Ma per trasportare queste 100 tonnellate di ghiaccio, è stato necessario prima estrarle dagli iceberg e poi trasportarle in aereo. Un po' una contraddizione... Più in generale, ci chiediamo come rendere compatibili oggi la consapevolezza ecologica e l'organizzazione di mostre.

Nel 2014, Surrey NanoSystems, un'azienda britannica specializzata in nanotecnologie, ha creato il nero più nero del mondo, il "Vatablack". Composto da nanotubi di carbonio disposti verticalmente e "impacchettati come alberi in una foresta", ha un coefficiente di assorbimento del 99,965%. Poi, nel 2016, Anish Kapoor ha ottenuto i diritti esclusivi per l'utilizzo di questo materiale a fini artistici. Il mondo dell'arte si è indignato. Un hashtag #ShareTheBlack. Nel 2019, l'artista Stuart Semple si vendica. Crea un nero profondo chiamato "Black 3.0" che è accessibile a tutti... Tranne che ad Anish Kapoor e ai suoi collaboratori. E con questo è tutto.

L'opera rappresenta chiaramente una relazione carnale tra un uomo e un animale. Inizialmente doveva essere presentato alla mostra "Hors les murs" della Foire internationale d'art contemporain (Fiac) alle Tuileries nel 2017. Ma alla fine l'opera fu rifiutata dal Louvre. La direzione del museo ha giustificato il suo rifiuto spiegando che "le leggende che circolano su Internet attribuiscono a quest'opera una visione troppo brutale che rischia di essere fraintesa dal nostro tradizionale pubblico dei giardini delle Tuileries". Alla fine, sarà esposto nel piazzale del Centre Pompidou.

Questo giovane ragazzo senza vestiti, immacolatamente bianco, tiene in mano una rana, con uno sguardo da pupo e un'aria relativamente sadica. Installata davanti alla Punta della Dogana, a Venezia, all'ingresso del Canal Grande, questa rana non piacque affatto ad alcuni veneziani. Hanno preferito il più classico lampione in ghisa del XIX secolo che ha sostituito la scultura. E nonostante il curatore del museo italiano Francesco Bonami abbia protestato contro la decisione, l'opera è stata comunque rimossa.

Allen Jones è uno dei primi artisti pop inglesi. Affascinato dalle donne con le gambe lunghe e i tacchi alti e dalla cultura sovversiva del f e ti c i s m o, il suo lavoro è coinvolgente e inquietante allo stesso tempo. "Sedia, Tavolo e Appendiabiti" è una delle sue prime creazioni, nel 1969. Sosteneva di essere un femminista e di essersi ispirato alla se**ualizzazione dell'abbigliamento femminile negli anni '60. Ma ogni sua mostra negli anni '70 è stata accompagnata da manifestazioni femministe.

In questa fotografia in bianco e nero del 1980, c'è un netto contrasto tra il costume dell'uomo e la carne delle sue mani e del suo attributo, che sono al centro della fotografia e in evidenza. A essere fotografato è l'allora fidanzato dell'artista. Ma i senatori e i conservatori statunitensi ritengono che l'immagine rappresenti un esempio di "arte d e g e n e r a t a". La foto è stata venduta nel 2015 per ben 478.000 dollari.

Realizzata dall'artista brasiliana Juliana Notari nel gennaio 2021, l'opera è stata attaccata per la sua esplicita rappresentazione del sistema riproduttivo femminile. Va ricordato che il paese è stato socialmente e politicamente lacerato quando Bolsonaro è salito al potere. I suoi sostenitori considerano "Diva" indecente e brutta. Olavo de Carvalho, saggista e ideologo, ha addirittura suggerito di posizionare una scultura f a l l i c a davanti a lei.

Instagram @juliana_notari

Tuttavia, anche le condizioni in cui è stato realizzato "Diva" hanno suscitato forti critiche. Sui social network, gli utenti di Internet rimproverano a Juliana Notari di aver installato la sua opera su un ex terreno coltivato a canna da zucchero e che è stata allestita da una manodopera maschile e di colore, come si può vedere nelle foto pubblicate dall'artista.

Instagram @juliana_notari

Sì, è di nuovo lui, vi avevamo avvisato che Cattelan è il re della polemica. Questa statua di cera, inginocchiata in posizione di preghiera e vestita con un abito grigio, è alta solo 101 centimetri, larga 43,1 centimetri e profonda 63,5 centimetri, a misura di bambino. Bisogna avvicinarsi un po' di più per rendersi conto che qui è rappresentato un adulto ben noto, visto che si tratta di Hitler.

La prima controversia sulla scultura riguarda la sua collocazione nel Ghetto di Varsavia. Durante la Seconda Guerra Mondiale, 500.000 ebrei polacchi furono deportati lì. È stato collocato in un cortile privato di un edificio in disuso in via Próżna, a poche centinaia di metri dal Memoriale dell'Insurrezione del Ghetto di Varsavia. Alla fine è stata rimossa perché considerata "una provocazione insensata che insulta la memoria delle vittime ebree del nazismo". Inoltre, il fatto che Hitler sia raffigurato così piccolo implica che abbia una "purezza infantile". Forse un po' inquietante?

Dipinto nel XIX secolo, un'epoca in cui il pudore e la moralità regnavano sovrani, il quadro aveva ovviamente fatto scandalo. Prima del 1995, solo pochi dilettanti erano riusciti a vederlo dal vivo. I precedenti acquirenti lo avevano collocato come trompe-l'oeil sotto un altro dipinto. Inoltre, l'opera era stata esposta al pubblico solo due volte: una a New York nel 1988 e l'altra nel 1992 a Orano, città natale di Courbet. Oggi è esposta al Museo d'Orsay, ma è un errore ridurre l'opera a una semplice provocazione da parte dell'artista. Courbet rende omaggio alle donne nel senso più ampio del termine, sia come amanti che come madri.

Quando presentò "Colazione sull'erba" all'Académie de peinture nel 1863, Manet sconvolse gli osservatori. L'opera è stata accusata di violare tutte le regole della pittura accademica. La presenza di una donna senza veli tra uomini vestiti era scandalosa, così come il fatto che il grande dipinto, che misura 207 × 265 cm, raffigurasse una scena di vita quotidiana. Queste dimensioni sono solitamente riservate alle scene storiche o allegoriche. Inoltre, la donna guarda lo spettatore, come una provocazione. Il dipinto fu infine esposto nel 1863 al Salon des Refusés. Oggi l'opera è una delle più conosciute al mondo.

L'argomento trattato sconvolge tanto quanto la sua trattazione. Manet, che desiderava ardentemente di essere accettato dall'Accademia, stava semplicemente continuando la tradizione del nudo femminile iniziata da Tiziano, Velázquez e Goya. Ma questi ultimi nascondevano i loro nudi sotto il prisma dell'allegoria, mentre Manet qui dipinge una p r o s t i t u t a. Il titolo, infatti, è un richiamo al soprannome comunemente usato da queste donne all'epoca, così come un riferimento e r o t i c o è anche il piccolo gatto nero sulla destra. "Olympia" ha aperto la strada alla modernità e a rappresentazioni della vita quotidiana non idealizzate, in seguito ampiamente sfruttata da artisti e scrittori, da Degas a Zola.

Degas è molto conosciuto per i suoi dipinti di ballerine. Affascinato e impegnato a rendere il movimento il più vicino possibile alla realtà, raffigura qui una giovane ballerina che indossa un vero tutù e vere scarpette, il tutto su una statua di cera. Scelse di presentare il suo lavoro in una vetrina, ma i critici lo videro come il lavoro di un tassidermista. Anche la modella scelta fu criticata: la ragazza era molto giovane e Degas fu definito un p e d o f i l o.

Marcel Duchamp ha ridefinito il concetto di opera d'arte. Qual è il suo limite? Esiste come oggetto estetico che deve soddisfare criteri specifici, oppure è considerato un'opera d'arte dal momento in cui viene osservato come tale? Affascinato dagli oggetti industriali, secondo la leggenda, Duchamp aggiunse la firma "R. Mutt", un gioco di parole - "mutt" significa "b a s t a r d o", "idiota" o un cattivo comico che fa il clown per farsi notare.

L'oggetto fu poi inviato alla neonata New York Society of Independent Artists, che tenne il suo primo Salone nel 1916. Ma nessuno conosceva questo "Mutt". Ritenendo che si trattasse di uno scherzo, la giuria non ha esposto l'o r i n a t o i o. Poi, nel 1950, Marcel Duchamp iniziò a rivendicare la paternità della Fontana. Si dice che "Mutt" sia un riferimento alla J.L. Mott Iron Works, la fabbrica di impianti idraulici da cui è nato l'oggetto.

Questa volta, l'artista attacca l'immagine del Papa. Tanto più che all'epoca della sua realizzazione, nel 1999, Giovanni Paolo II, le cui fattezze sono visibili su questa statua di cera, era ancora vivo. L'opera lascia lo spettatore ancora più indifferente perché il Santo Padre è estremamente realistico e a grandezza naturale.

L'ispirazione di Tracey Emin per questa installazione d'arte è venuta dalla sua stessa vita, quando era in preda a una depressione. È rimasta a letto per diversi giorni dopo una rottura, mangiando e bevendo. Intorno a questo letto sporco si accumulano rifiuti e disordine. Può essere vista come una forma di natura morta. Ai critici che l'hanno criticata dicendo che chiunque potrebbe esporre un letto sfatto, risponde: "Beh, non l'hanno fatto, vero?" Nessuno l'aveva mai fatto prima.

Iperrealistici, strani e inquietanti, sembrano usciti da un film di fantascienza, i personaggi di Patricia Piccinini sono tanto scomodi quanto inquietanti. L'artista mescola la purezza e la dolcezza dell'infanzia con queste creature misteriose. L'artista si interroga sulla capacità dello spettatore di accettare un corpo ibrido che non è abituato a vedere.